팝아트 운동이란? 당신이 알아야 할 모든 것

두 작품 모두 팝 아트 운동의 일부입니다. 팝 아트는 오늘날 큰 인기를 얻었고(상업적으로 성공), 처음 등장했을 때 예술계에 충격과 분노를 안겼습니다.

밝은 색상과 재미있는 주제인 팝아트가 어떻게 나타나는지 보고 있다면 팝아트를 흥미롭게 만드는 많은 요소를 놓치게 될 것입니다. 작품은 소비주의, 매스 미디어 및 대중 문화에 대한 아이디어를 가지고 놀며 예술의 정의에 도전합니다. 그것은 예술계를 머리에 얹고 "고급 문화"와 "저급 문화"에 대한 우리의 생각을 영원히 바꿔 놓았습니다.

팝 아트 운동의 기원과 그로부터 영감을 얻는 방법을 살펴보겠습니다.

팝 아트 운동의 기원과 예술가

팝 아티스트들은 예술계의 엘리트주의를 거부했습니다. 그들은 "고상한" 진지한 주제뿐만 아니라 모든 것을 예술적으로 묘사할 가치가 있는 것으로 보았습니다. 잡지의 이미지를 합성하고, 유명인의 얼굴을 재현하고, 기업 로고를 사용하고, 대량 생산된 물건을 예술로 표현했습니다. 그들은 자유롭게 복사하고, 훔치고, 빌렸습니다.

1957년에 친구에게 쓴 편지에서 예술가 Richard Hamilton은 팝 아트를 다음과 같이 정의했습니다.

“Popular(대중 청중을 위한 디자인), Transient(단기 솔루션), Expendable(쉽게 잊혀짐), 저비용, 대량 생산, Young(청소년 대상), Witty, Sexy, Gimmicky, Glamorous, Big business. ”

비평가들은 팝아트가 소비주의, 자본주의, 대중문화에 대한 지지인지 문화적 비판인지 결론을 내릴 수 없었습니다. 진실은 아마도 둘 다일 것입니다. 팝 아트의 상업적 인기는 미술 자체가 소비를 위한 또 다른 상품이라는 사실을 강조했습니다.

1950년대: 팝아트는 소비주의에 대한 반발로 발전

팝아트는 제2차 세계대전 이후, 대량 생산과 대중 매체가 갑자기 폭발하던 시기에 등장했습니다. TV, 영화, 잡지는 모든 사람의 가정에 광고와 유명 인사 문화를 가져왔고, 상업적으로 만들어진 제품은 그 어느 때보다 쉽게 ​​구할 수 있었습니다.

Robert Indiana는 Pop을 "추상 표현주의의 최종성과 과포화로 지루함에서 태어난 신생아"라고 설명했습니다. 표현적이고 비유적인 예술을 완전히 거부했습니다. 팝 아티스트는 추상 미술을 거부하고 대신 주변의 일상 세계에서 본 것을 표현하기로 선택했습니다.

팝 아트는 또한 다다 운동에 뿌리를 두고 있는데, 이 운동은 "레디메이드" 또는 "발견된" 물건에 단순히 서명하거나 갤러리에 두는 것만으로 예술로 재맥락화한다는 아이디어를 도입했습니다.

Richard Hamilton 및 Ray Johnson과 같은 팝 아티스트는 광고, 만화 및 잡지에서 콜라주를 만들었습니다. 그들은 소비주의와 1950년대 전후 경제 호황의 과잉에 반응하기 위해 대중적인 이미지를 차용했습니다.

1960년대: 복제, 재생산 및 상업화

1960년대부터 Roy Lichtenstein은 가장 잘 알려진 팝 아트 이미지가 된 만화 그림을 만들기 시작했습니다. 만화책과 같은 "천박한" 소스에서 자신의 이미지를 훔치고 복제함으로써 그는 예술계가 예술 자체의 정의에 의문을 제기하도록 도전했습니다. 복사해도 예술인가요?

리히텐슈타인은 만화 이미지를 복사하는 데 그치지 않고 능률화하고 과장하여 극적 감각과 시각적 효과를 높였습니다. 이 스타일은 Ben-Day 도트를 사용하여 저렴하게 인쇄물에 음영과 복잡한 색상을 추가하는 상업용 스크린 인쇄를 모방했습니다.

Andy Warhol은 유명 인사, 정치인 및 상업 제품의 대량 생산 이미지를 복제하여 엄청난 명성을 얻었습니다. 그는 스크린 인쇄 또는 손으로 이미지를 반복해서 그려 갤러리와 박물관에 걸어 상업 작업과 순수 예술의 구분을 허물었습니다.

앤디 워홀은 자신의 저서에서 “예술을 만드는 것에 대해 생각하지 말고 그냥 끝내십시오. 그것이 좋은지 나쁜지, 좋아하는지 싫어하는지 다른 모든 사람들이 결정하게 하십시오. 그들이 결정하는 동안 더 많은 예술을 만드십시오.”

팝 아트는 오늘날에도 계속해서 인기를 얻고 있으며 상업적으로도 성공하고 있습니다.

팝 아트 운동은 수년 동안 관련성을 유지했습니다. 유명한 팝 아티스트 로버트 인디애나(Robert Indiana)는 2018년 사망할 때까지 관련 작업을 계속해서 제작하고 선보였습니다. 키스 해링(Keith Haring)은 80년대 정치적이고 만화적인 팝아트 인물로 세상에 잊을 수 없는 족적을 남겼습니다.

오늘날 Yayoi Kusama 및 Jeff Koons와 같은 네오 팝 아티스트는 예술계에서 가장 큰 이름 중 일부입니다.

팝 아트를 사용하여 웹 디자인에 활력을 불어넣으세요

팝 아트의 영향은 극대주의와 향수를 향한 더 큰 추세의 일부로 웹 디자인에서 유행하고 있습니다. 청중이 Corporate Memphis 만화 인물에 질리면 웹 디자인의 다음 큰 트렌드로 이어질 수도 있습니다.

팝아트의 밝고 재미있고 시선을 사로잡는 미학은 대중적인 사운드, 이미지, 밈을 무한히 리믹스하는 인터넷 문화와 잘 어울립니다. 이 스타일은 단색 기본 색상과 모양을 많이 사용하기 때문에 웹 디자인에서 벡터 그래픽을 만드는 데에도 적합합니다.

팝아트의 미학을 뻔뻔하게 사용하세요

팝 아트는 복사, 훔치기, 용도 변경에 관한 것입니다. 운동의 요소를 직접 취함으로써 운동의 정신을 존중할 수 있는데 왜 그것을 간접적으로 언급합니까? 만화 이미지, 밝은 색상, Ben-Day 도트 텍스처와 같은 팝 아트의 가장 상징적인 시각 요소를 활용한 디자인을 만드세요.

Light Factory의 웹사이트 디자인은 드라마틱한 어두운 배경을 배경으로 비디오 클립을 전면에 배치하여 비디오 프로덕션 하우스의 비디오 작업을 강조합니다. 글렌보우 박물관을 위해 만든 장소에서 팝 아트 재창조를 시각적으로 인상적인 영웅 이미지로 사용합니다.

Achos Agency는 디자이너이자 일러스트레이터인 Mariano Pascual을 위해 팝 아트를 연상시키는 얼굴 색상, 대담한 검은색 윤곽선, 만화 같은 시각적 아이콘을 통합한 웹사이트를 만들었습니다. 너무 심각하게 생각하지 않음으로써 팝 아트 운동의 정신을 전달합니다. 또한 Y2K 시대의 웹 디자인을 반영하여 레트로 운영 체제를 재현합니다.

이 웹사이트의 대담한 디자인은 모든 고객에게 적합하지 않습니다. 그러나 젊고 재미있고 활기찬 웹 사이트를 만들고자 하는 고객에게는 훌륭한 접근 방식입니다.

실제 팝 아티스트를 고용할 수도 있습니다. Louis Vuitton은 최근 Neo-Pop 아티스트 Yayoi Kusama와의 협업에서 그렇게 했습니다. 사이트 디자이너는 작가의 시그니처인 여러 색상의 점을 꿈결처럼 각 페이지에 통합합니다. 점은 이미지와 비디오 클립 안팎, 페이지 배경, 텍스트 내에서도 나타납니다. 또한 사용자가 페이지를 스크롤할 때 회전하고 스스로 페인트하는 것처럼 보입니다.

미니멀한 텍스트와 배경은 도트 디자인의 활기찬 색상과 움직임과 균형을 이루므로 팝 아트에서 영감을 받은 이 유형의 모양이 거의 모든 유형의 웹 사이트에 적합합니다.

Oliver Hoffmann의 cssdots와 같은 템플릿을 사용하여 웹 사이트 레이아웃에 Kusama와 같은 점 또는 Ben-Day 점을 추가하고 완전히 애니메이션화된 팝 아트 이미지를 만들 수도 있습니다.

리믹스, 리프 온 및 콜라주 이미지

팝아트는 콜라주를 많이 사용하여 기존 이미지를 용도 변경하고 병치하여 의미를 변경합니다. 웹 디자인에서 콜라주는 일반 이미지 갤러리보다 웹 페이지에 더 많은 질감과 움직임을 제공합니다.

"영화 감독, 유튜브 크리에이터 및 남아프리카 인플루언서 Dan Mace"의 웹사이트는 애니메이션 팝 아트 스타일 콜라주로 역동적인 웹사이트 경험을 만듭니다. 콜라주는 Dan의 다양한 작품을 강조하고 그의 예술적 접근 방식과 개성을 보여줍니다. 홈 페이지는 컷아웃 콜라주 효과, 신문 스크랩, 사진, 심지어 페인트 튀기와 함께 결합된 Dan의 비디오 작업을 혼란스럽게 편집한 것입니다.

CINELAUNCH 웹사이트는 콜라주를 사용하여 영화 제작자를 위한 금융 앱임을 설명합니다. Andy Warhol의 Marilyn 스크린 프린트와 유사한 재미있는 색상 요소와 달러 기호와 같은 기호로 영화 제작자의 양식화 된 사진을 제공합니다. 또한 다른 콜라주 스타일의 웹 사이트보다 더 미니멀하고 접근하기 쉬운 모양으로 콜라주 이미지를 화면 오른쪽의 카드로 제한합니다.

크리에이티브 디렉터 Jordan Bauer는 웹 사이트 전체에서 콜라주 효과를 사용하여 창의적이고 독특한 작품을 선보입니다. Jordan은 콜라주에 애니메이션을 적용하여 방문자의 시선을 사로잡고 일반적인 얼굴 사진에 흥미를 더합니다. 이것은 또한 CTA에 효과적으로 관심을 끕니다.

대중문화를 가지고 놀다

팝 컬처 레퍼런스는 팝 아트와 오늘날의 밈화된 인터넷 문화의 필수 요소입니다. 팝 아트 스타일의 현재 대중 문화를 참조하여 재미있고 관심을 끄는 사이트 디자인을 만듭니다.

Achos Agency의 웹사이트는 "섹스, 마약, 로큰롤" 디자인 미학을 보여줍니다. 그들은 다양한 대중 문화 소리와 이미지의 짧은 스니펫을 사용합니다. 이렇게 하면 하나의 특정 참조가 아닌 전반적인 효과에 초점을 맞춥니다.

그들의 도발적인 접근 방식은 많은 고객(데이트 앱, 담배 가게, CBD 생리 제품)과 고객의 타겟 오디언스(젊은이, 힙한, 온라인)의 감성과 일치합니다.

무례함을 두려워하지 말라

팝 아트는 단순한 미학 그 이상입니다. 그것은 예술계의 속물근성에 대한 반항이었고, 천박한 언급과 유머에 일관되게 기울었습니다. 진정으로 팝 아트의 정신을 전달하고 싶다면 유머를 받아들이고 한계를 뛰어넘으세요.

이것은 분명히 모든 웹 사이트 디자인에서 작동하지 않습니다. 사탕 회사는 밝은 팝 아트 미학에서 가장자리를 뺀 사이트를 필요로 할 수 있습니다. 그러나 Tvigwychsin Vodka와 같은 회사는 팝 아트 반란을 받아들일 수 있습니다.

그들의 사이트는 그들의 음료를 "모더니스트의 마지막 걸작"이라고 설명하며, 음란물인 것처럼 단어를 검열하고 팝 아트 운동의 초기 불꽃이었던 레디메이드 소변기인 Duchamp의 유명한 분수를 참조합니다.

젊은 미술 평론가 GR Swenson과 팝 아티스트 Robert Indiana 사이의 1963년 인터뷰에서 그들은 팝 아트를 정의하려고 시도합니다.

“팝의 죽음인가?

"예, 밀수와 예술이 무엇인지에 대한 선입견에 대한 죽음은 완고합니다."

"팝이 새로운 도덕인가?"

"아마. 노인의 엄격한 규칙을 경멸하는 오래된 형식으로 자유롭고 자유롭고 쉽습니다.”

진정으로 팝 아트를 전달하고 싶다면 웹 디자인과 마케팅의 규칙을 버리십시오. 답답한 기준을 거부하고 형식을 가지고 놀 수 있는 권한을 부여하고 대신 독창적이고 예상치 못한 웹 사이트를 만드십시오.